In Bedeutung gehüllt: Wie Alia Ali Fotografien zu Geschichten verbindet

Alia verweist auf den bunt gemusterten Afrikanischen Waxprint aus Baumwolle, der weithin mit westafrikanischer Identität assoziiert wird, aber in Europa in Massenproduktion hergestellt wird. Er dient als Beispiel dafür, dass Textilien eine tiefere politische Bedeutung haben können, die mit der Geschichte von Aneignung, Migration, kulturellem Austausch und Kolonialismus verwoben ist. „Dieser Stoff ist sehr politisch in Bezug auf die Gegend, wo er sich angeeignet wurde. Die Geschichten müssen mit der Politik der Fotografie und der Sprache, die sie umgibt, in Einklang gebracht werden. Wie inszeniert man ein Foto, anstatt nur eines zu machen? Was ist die Bedeutung des Stoffs? Das sind die Dinge, die in Einklang gebracht werden müssen.“

Alia lebt heute in New Orleans, Paris, Marrakesch und Jaipur. Sie ist nicht nur Nikon-Ambassador, sondern auch Jameel Art Fellow am V&A. Ihre Arbeiten wurden in einer Reihe von renommierten Institutionen wie dem British Museum und der Princeton University ausgestellt. Obwohl ihre Installationen auch Video und Skulpturen beinhalten, sagt sie, dass ihr die Fotografie zuerst eine Stimme gab. „Da meine Eltern Linguisten sind, bin ich mit sieben Sprachen aufgewachsen. Aber die umfassendste Sprache, die ich gefunden habe, ist die Fotografie“, beschreibt sie. „Gesprochene Sprache ist geprägt von Manipulationen und Fehlübersetzungen, von Nuancen im Tonfall und kulturellen Unterschieden. Aber Bilder, selbst konstruierte, bieten eine Art Ehrlichkeit. Die Fotografie ist zu meiner Tastatur geworden. Sie ist meine Art zu kommunizieren. Das Bild wird zur Quelle und zur Geschichte zugleich, mit einer eigenen Grammatik und Syntax.“

Von der Konzeption zur Kreation

Alias kreativer Prozess begann schon Jahre vor dem Einsatz ihrer Nikon Z9. Er begann mit der Beschaffung, dem Entwurf oder der Kommissionierung von politisch und kulturell bedeutsamen Textilien bei Kunsthandwerkern auf der ganzen Welt. Die verwandelt sie in Kleidungsstücke, die ihre Modelle (oder „Sitters“, wie Alia sie nennt) vollständig einhüllen. Alia kleidet auch den Hintergrund der Porträtierten mit Stoff aus und stellt ihn um das fertige Werk herum als Teil der physischen Installation aus. Das Ergebnis ist eine sorgfältig konstruierte Komposition, die ein nahtloses, immersives visuelles Feld schafft. „Das Bild wird zu einem Portal, zu einer Tür“, findet Alia. „Ich möchte, dass die Menschen das Gefühl haben, in das Bild hineingehen zu können.“

Anstatt statische Porträts zu fotografieren, nutzt Alia schnelle Verschlusszeiten und die hohe Auflösung ihrer Nikon Z9, um die eindrucksvollsten Momente ihrer „Sitters“ in Bewegung einzufangen. „Bei meiner früheren Arbeit mit einer anderen Kamera war der Prozess eigentlich sehr kontrolliert. Ich musste sagen: ,Stopp, nicht bewegen‘, und das Bild aufnehmen, während der Kameraprozessor aufholte. Aber bei der Nikon Z9 ist der Prozessor wahnsinnig schnell. So kann ich meinen Sitters die Freiheit geben, sich zu bewegen. Auch kann ich so viele Bilder machen, wie ich will, denn die Verschlusszeit ist unglaublich schnell. Keine Unschärfe, nur Bewegung. Ich habe ein hervorragendes Objektiv und eine phänomenale Kamera, die beide zu einer Verlängerung meiner Hand geworden sind.“

Mit dem Hochgeschwindigkeitsmodus mit 60 Bildern pro Sekunde hat die Technologie laut Alia auch das Erlebnis für die Porträtierten verändert. „Wenn man sich vorstellt, dass sie unter all diesem Stoff stecken. Das ist nicht immer angenehm, es kann sich auch erdrückend anfühlen. Früher dauerten die Sessions so viel länger. Ich musste den Stoff für die Pausen abnehmen, und wenn wir wieder anfingen, konnte ich die gleiche Falte nie wieder genauso hinbekommen wie zuvor. Aber mit der Z9 ist der Prozess so viel effizienter, schneller und weniger aufwendig. Er ist schöner, und die Bilder, die ich am Ende auswähle, sind immer die, die eine Bewegung zeigen. Sie singen.“

Mit ihrem 45,7-Megapixel-Vollformatsensor bietet die Z9 Alia die nötige Auflösung, um ihre Bilder auf Lebensgröße zu skalieren, ohne dabei an Schärfe zu verlieren. Das ist unerlässlich, wenn jeder Stich, jeder Faden und jeder Schatten Teil der Geschichte ist. „Früher habe ich immer eher kleine Bilder gemacht, aber seit dieser Kamera mache ich sie riesig“, sagt sie. „Wenn man ganz nah vor dem Bild steht, möchte ich, dass man jeden Faden sehen kann und seine Qualität.“ Und da Details entscheidend sind, wenn es darum geht, die Textilien in ihren Installationen nahtlos mit dem Foto in Einklang zu bringen, vertraut Alia auf das Objektiv NIKKOR Z 24-70mm f/2.8 S, um die erforderliche Schärfe zu erzielen. „Es gibt mir eine erstaunliche Tiefenschärfe, mit der ich alle Details auf einmal erfassen kann“, erklärt sie. „Man kann buchstäblich jedes Detail sehen, ob gut oder schlecht! Man sieht jeden einzelnen Faden, selbst den kleinsten Fussel. Manchmal entscheide ich mich dafür, ihn im Bild zu lassen, weil er die Realität zeigt. Man sieht einen echten Stoff, der einen echten Menschen umhüllt.“

Während viele Porträtfotograf:innen Festbrennweitenobjektive wegen ihrer Schärfe und Motivisolierung präferieren, bevorzugt Alia die Flexibilität eines Objektivs mit 24 bis 70 mm, mit dem sie intuitiv auf die sich ständig verändernde Dynamik ihrer Sets reagieren kann. „Ich betrachte das Ganze fast wie eine Aufführung“, sagt sie. „Man muss die gesamte Bühne fotografieren. Ich weiß nie, wohin sich die Porträtierten bewegen werden oder wohin ich mich im Verhältnis zu ihnen bewege. Also muss ich den gesamten Raum abdecken können. In gewisser Weise ist er eher eine Landschaft. Und wenn ich später ein näheres Porträt brauche, kann ich es beschneiden, weil ich bereits alle Informationen habe. Ich finde es ziemlich einschränkend, wenn Leute sagen: ,Ich mache Porträts‘, als ob man nur die eine Sache machen dürfte. Früher habe ich oft ein Weitwinkelobjektiv verwendet – nicht wegen des Effekts, sondern weil ich mehr aufnehmen wollte, um die ganze Szene zu würdigen. Ich habe nicht das Gefühl, dass ich das jetzt noch tun muss. Ich kann dem Raum selbst mehr gerecht werden.“

Als Alia anfing, bevorzugte sie natürliches Licht. Heute jedoch zieht sie die Präzision einer kontrollierten Studioumgebung vor, in der maßgeschneiderte Beleuchtungseinstellungen es ihr ermöglichen, jedes Detail zu gestalten, von Schatten über Farbe bis hin zu Textur. „Natürliches Licht ist wunderschön. Es ist mir jedoch wichtig geworden, die Beleuchtung vollständig zu kontrollieren. Deshalb arbeite ich in einem Studio – einem verdunkelten Raum mit riesigen Lampen, wo ich jeden Aspekt des Lichts steuern kann“, erklärt sie. „Es sind breite Lichter mit Filtern, die eine weiche, gleichmäßige Qualität erzeugen. Diese Gleichmäßigkeit ist fantastisch. Ich verwende aber auch manchmal Raster und gerichtete Beleuchtung, hauptsächlich, um den Hintergrund zu formen.“

Bewusst gedruckt

Nach der Aufnahme und Verarbeitung der Bilder arbeitet Alia mit einem Pariser Druckspezialisten zusammen, um die Farben des endgültigen Drucks sorgfältig an den Originalstoff anzupassen und so die visuelle und thematische Konsistenz zu gewährleisten. „Wenn ich drucke, möchte ich, dass die Leute den Faden, die eigentliche Faser, sehen“, sagt sie. „Außerdem schicke ich dem Fachmann sowohl das Bild als auch ein Stoffmuster, und gemeinsam stimmen wir die Farben genau ab. Wir drucken nicht nur einmal, wir drucken so oft, bis es exakt stimmt. Danach wird es mit UV-Schutz laminiert und gerahmt. Später polstere ich die Installation mit demselben Stoff. An diesem Punkt beginnt die Arbeit, sich von etwas Fotografischem in etwas Skulpturales zu verwandeln.

„Insgesamt kann der gesamte Prozess ein Jahr, sieben Jahre oder sogar ein Leben lang dauern. Die Leute gehen oft davon aus, dass ich ein ganzes Team hinter mir habe. Ich glaube, sie sind überrascht, wenn sie erfahren, dass ich in der Regel selbst hinter jeder Phase stehe. Ich bin die Ideengeberin, manchmal die Stoffdesignerin, die Fotografin, gelegentlich die Porträtierte, und manchmal übernehme ich sogar das Polstern.“

Alias Tipps zum Einfangen der Welt durch Strukturen und Farben

1. „Beobachtet zuerst. Überstürzt die Aufnahme nicht. Nehmt die Szene in Ruhe in euch auf, die Strukturen, die Farben, die Bewegung. Fragt euch: ‚Was passiert hier eigentlich?‘“
2. „Wenn ihr etwas Strukturiertes fotografiert, geht nah an die Details heran und tretet dann zurück, um das Gesamtbild zu sehen. Dieses Vor und Zurück ist es, was ein Bild lebendig macht. Ihr wollt die Betrachter:innen wortwörtlich in Bewegung bringen. In Ausstellungen möchte ich, dass die Betrachter:innen um das Werk herumgehen. Diese körperliche Bewegung lädt zur emotionalen Reflexion aus verschiedenen Blickwinkeln ein.“
3. „Bei der Arbeit mit Farben ist die Beleuchtung das A und O. Ich habe früher in New Mexico gelebt. Da ist das natürliche Licht sehr rosa und wunderschön, wirkt sich aber auf die Farbe aus. In kontrollierten Umgebungen, in denen ihr das Licht steuert, könnt ihr die Farben erzielen, die ihr euch vorgestellt habt.“
4. „Fotografiert in RAW und erfasst so viele Bildinformationen wie möglich. Ihr könnt später immer noch entscheiden, wie ihr es interpretiert. Aber verschafft euch im Vorfeld diese Klarheit und Bandbreite.“
5. „Ein starkes Bild verweilt mit einem, wie Don McCullins Porträts des Krieges. Es geht nicht nur um das, was man sieht, sondern auch um das, was man fühlt. Wenn ihr Menschen fotografiert, insbesondere dort, wo Kameras als aufdringlich empfunden werden, bietet ihnen zuerst die Kamera an und lasst sie ein Bild von euch machen. Dieser Austausch schafft etwas Ehrlicheres, etwas Gemeinsames, und dadurch erhält man authentischere Bilder.“

Eintauchen in Alias Kunst

Dieses Bild ist Teil der CHROMA-Serie von Alia Ali und untersucht, wie wir die Grenze zwischen Realität und digitaler Identität verwischen. Befinden wir uns innerhalb des Bildes oder davor? Sind wir frei oder gefesselt? Mit Farbe, Stoff und Präzision wurde diese Serie zu einer sorgfältigen Choreographie von Licht und Balance.

„Die CHROMA-Serie erforscht die Idee, was unser Avatar ist, was unsere Realität ist, draußen und drinnen, hinter und vor den Bildschirmen“, beschreibt Alia. „An welchem Punkt kommen wir da raus? Und wann werden wir ein Teil davon? Stecken wir dazwischen fest? Sind wir ein Teil dieser Schranken? Werden wir davon eingeschränkt? Das Interessante an dieser Fotosession ist, dass ich den Stoff habe weben lassen und auch die Farben ausgewählt habe. Doch übernahm der Stoff diesmal ausnahmsweise nicht die Führung. Das Kuriose ist: Sobald man eine Farbe so zeigt und neben eine andere setzt, wirkt sie ganz anders. Sie verändert sich – je nachdem, welche Farbe man daneben platziert. Außerdem mussten wir genau messen, sodass die Streifen exakt aufeinander ausgerichtet waren. Wir mussten nivellieren, um sicherzustellen, dass alles richtig ausgerichtet ist. Auch hier kam der schnellere Verschluss der Z9 ins Spiel, weil ich mich bewege und die porträtierte Person versucht, sich nicht zu bewegen, aber sie bewegt sich trotzdem. Und wir mussten die Beleuchtung absolut perfekt hinbekommen, weil ich so viel Schatten wie möglich entfernen wollte. Dieses Foto war also besonders schwierig. Es war einfach ein ganz anderer Tanz. Es war ein völlig anderer Prozess. Und das war aufregend.“

Dieses Bild fängt einen absichtlichen „Glitch“ ein – eine malerische Unschärfe, bei dem ein scharf gestellter Fokus und Weichheit aufeinandertreffen. Der Hintergrund ist kristallklar. Der Stoff der porträtierten Person ist jedoch leicht aus dem Fokus. So entsteht eine wunderschöne, präzise Verzerrung. Sie war einfach zu verlockend, um sie zu korrigieren.

„Dieses Bild ist der Grund, warum ich diese Serie GLITZCH genannt habe“, verrät Alia. „Denn wenn man genau hinsieht, ist der Hintergrund im Fokus, der obere Teil des Stoffes der porträtierten Person jedoch nicht. Wenn das kleine unscharfe Stück vor einem absolut scharfen Hintergrund steht, entsteht eine Unschärfe, die sehr malerisch wirkt. Die Unschärfe ist so präzise, dass wir beschlossen haben, sie beizubehalten.“

Eröffnungsbild: Die GLITZCH-Serie erforscht die Spannungen zwischen unserem physischen und digitalen Selbst. In „Tandem“ erscheinen die beiden Figuren als gespiegelte Doppelgänger, die sich unterscheiden und doch miteinander verbunden sind. Das spiegelt laut Alia die verschwimmenden Grenzen zwischen Physischem und Digitalem wider. Z9 + NIKKOR Z 24-70mm f/2.8 S, 44 mm, f/10, 1/160 s, ISO 100, © Alia Ali